Nnenna Okore schafft skulpturale und wandbasierte Arbeiten aus recycelten Materialien wie Seihtuch, die durch Färben, Wickeln, Reißen und Schichten organisch anmutende Oberflächen und textile Landschaften entstehen lassen. Als Schülerin von El Anatsui knüpft sie an dessen materialbasierte Praxis an und entwickelt zugleich eine eigenständige Bildsprache, die Fragilität, Wachstum und ökologische Kreisläufe thematisiert.

Sandra Vásquez de la Horra verbindet in ihren intimen Arbeiten auf mit Wachs behandelten Papieren Zeichnung, Symbolik und narrative Fragmente zu poetisch-surrealen Bildwelten, die zwischen Traum, Ritual und Erinnerung oszillieren. Ihre erste institutionelle, europäische Überblicksausstellung im Haus der Kunst ist ihrer experimentellen Praxis gewidmet, wobei ihr räumliches, energetisches und weltumfassendes Denken im Mittelpunkt steht.

Tomás Saraceno verbindet in seiner interdisziplinären Praxis Kunst, Ökologie und soziale Utopien zu komplexen Systemen aus Netzwerken, Atmosphären und planetaren Beziehungen. Die Arbeiten aus dem Projekt Las Salinas Grandes greifen die fragile Landschaft der argentinischen Salzwüste auf und verweisen zugleich auf ökologische, politische und gemeinschaftliche Fragestellungen rund um Ressourcen, Territorium und das Verhältnis von Mensch und Umwelt.

Jeff Koons zählt zu den bedeutendsten Künstlern der Gegenwart. Die von ihm signierte Arbeit zeigt die erste Designstudie seines legendären BMW M3 GT2 Art Car, das 2010 im Centre Pompidou präsentiert und anschließend beim 24-Stunden-Rennen von Le Mans eingesetzt wurde. Mit leuchtenden Farben und dynamischen Formen übersetzt Koons Geschwindigkeit, Energie und Bewegung in eine ikonische Bildsprache.

Hedwig Eberle arbeitet vorwiegend mit Zeichnung und Papier und entwickelt dabei eine konzentrierte, oft prozesshafte Bildsprache zwischen Abstraktion und Verdichtung. Ihre Arbeiten zeichnen sich durch eine feine Balance aus Kontrolle und Offenheit aus und erzeugen durch Wiederholung, Rhythmus und Materialität eine stille, beinahe meditative Präsenz.

Aileen Murphy entwickelt in ihren Arbeiten vielschichtige Bildwelten, in denen sich Fragmente von Erinnerung, Traum und innerer Wahrnehmung zu atmosphärisch dichten Kompositionen verdichten. Ihre Malerei bewegt sich zwischen Figuration und Abstraktion und zeichnet sich durch eine zugleich fragile und intensive Farb- und Materialsprache aus.

Mojé Assefjah setzt sich in ihrer abstrakten Malerei mit Wahrnehmung, Erinnerung und inneren Bildräumen auseinander und entwickelt daraus subtil rhythmisierte Kompositionen zwischen Struktur und Auflösung. Durch die Verwendung traditioneller Materialien wie Eitempera entstehen vielschichtige Oberflächen von besonderer Tiefe und stiller Präsenz.

Tomás Saraceno verbindet in seiner interdisziplinären Praxis Kunst, Ökologie und soziale Utopien zu komplexen Systemen aus Netzwerken, Atmosphären und planetaren Beziehungen. Die Arbeiten aus dem Projekt Las Salinas Grandes greifen die fragile Landschaft der argentinischen Salzwüste auf und verweisen zugleich auf ökologische, politische und gemeinschaftliche Fragestellungen rund um Ressourcen, Territorium und das Verhältnis von Mensch und Umwelt.

Berta Fischer schafft skulpturale Arbeiten aus Acrylglas und industriellen Materialien, die durch Transparenz, Lichtbrechung und organisch wirkende Formen einen Eindruck von Bewegung und Schwerelosigkeit erzeugen. Ihre Werke bewegen sich zwischen Skulptur, Zeichnung im Raum und architektonischer Struktur und untersuchen die Beziehung von Materialität, Wahrnehmung und räumlicher Erfahrung.

Thomas Demand untersucht in seinen fotografischen Arbeiten die Konstruktion von Erinnerung und Wirklichkeit, indem er reale Orte und Situationen zunächst als Modelle aus Papier und Karton nachbaut und anschließend fotografisch inszeniert. Die Arbeit Concannon #58 verweist auf diese charakteristische Praxis, in der sich Präzision, Irritation und die Fragilität medialer Bilder auf subtile Weise überlagern.

Matti Braun verbindet in seinen Arbeiten kunsthistorische, architektonische und kulturelle Referenzen zu vielschichtigen Objekten und Raumkonstellationen, die sich häufig mit Fragen von Übersetzung und kulturellem Gedächtnis auseinandersetzen. Das handgeblasene Glasobjekt verweist exemplarisch auf seine sensible Auseinandersetzung mit Materialität, Transparenz und handwerklicher Präzision und entfaltet zugleich eine stille, skulpturale Präsenz.

Maria VMier entwickelt in ihren Arbeiten vielschichtige Bildräume zwischen Zeichnung, Malerei und Schrift, in denen sich organische Formen, Liniengefüge und fragile Strukturen überlagern. Als Münchner Künstlerin mit einer kommenden Ausstellung im Haus der Kunst zählt sie zu den spannenden jüngeren Positionen der lokalen Gegenwartskunstszene mit wachsender institutioneller Sichtbarkeit.

Manfred Bockelmann setzt sich in seinen Arbeiten intensiv mit Erinnerung, Vergänglichkeit und menschlicher Verletzlichkeit auseinander und verbindet dabei zeichnerische Präzision mit emotionaler Dichte. Seine Werke wurden international gezeigt und befinden sich in bedeutenden öffentlichen und privaten Sammlungen, darunter der Albertina und die Artothek des Bundes.

Arnulf Rainer zählt zu den bedeutendsten europäischen Künstlern der Nachkriegszeit und ist insbesondere für seine expressiven Übermalungen bekannt, in denen bestehende Bilder durch gestische Eingriffe verdichtet und transformiert werden. Die Werkreihe Gesichter mit Goya knüpft an die drastische Bildsprache von Francisco Goya an und verbindet historische Referenz, psychologische Intensität und körperliche Malerei zu eindringlichen Auseinandersetzungen mit dem Menschlichen.

Tomás Saracenos Skulptur „Aeolus“ (2019) geht auf das langjährige Projekt Cloud Cities zurück, eine architektonische Utopie, in der das Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt durch die Entwicklung schwebender Wohnräume radikal neu gedacht wird. Die mundgeblasene Struktur verschmolzener Kugelgebilde ist Schaumblasen entlehnt, wodurch der statische Charakter skulpturaler Gefüge mit der organischen Entwicklung natürlicher Systeme kontrastiert wird. Während diese Gestalt wie zufällig entstanden wirkt und damit unsere Wahrnehmung von Raum und Ordnung infrage stellt, verweisen die spiegelnden Flächen auf die mögliche Auflösung von Grenzen sowie die wechselseitigen Beziehungen zwischen Lebewesen und ihrer Umwelt. Als Teil von Saracenos kontinuierlicher Auseinandersetzung mit alternativen Lebens- und Wohnmodellen lädt Aeolus zum Nachdenken über neue Formen des Miteinanders ein.

Pamela Rosenkranz untersucht in ihren Arbeiten die Wechselwirkungen zwischen Körper, Wahrnehmung, Technologie und künstlich erzeugten Umwelten und entwickelt daraus präzise inszenierte, oft materialbasierte Systeme von hoher atmosphärischer Intensität. Mit „Healer Scrolls (Any Mermaid)“ (2025) knüpft sie an diese Auseinandersetzung an.

Mit ihrer charakteristischen Arbeitsweise – feinsten Schnitten in Blätter, Papier, Wachs, Seife und andere natürliche Materialien – macht Elisabetta di Maggio verborgene Strukturen und Ordnungen der Natur sichtbar. Ihre filigranen Werke entstehen in einem äußerst zeitintensiven Prozess und bewegen sich an der Grenze zwischen wissenschaftlicher Präzision und poetischer Kontemplation. Dabei geht es der Künstlerin nicht nur um die Schönheit und scheinbare Vollkommenheit natürlicher Formen, sondern auch um deren Fragilität und Verletzlichkeit.

Frieda Toranzo Jaeger verbindet in ihren vielschichtigen Gemälden Malerei, Stickerei und handwerkliche Techniken zu hybriden Bildräumen, in denen Fragen von Identität, Technologie, Körper und gesellschaftlichen Machtstrukturen verhandelt werden. The neutralization of critique (2025) erweitert diese Auseinandersetzung in den skulpturalen Raum und verweist auf Handwerk, Produktion und kollektives Wissen als zentrale Elemente ihrer künstlerischen Sprache.

Adrian Ghenie zählt zu den international gefragtesten Malern der Gegenwart und ist bekannt für seine vielschichtigen, expressiven Bildwelten, in denen historische Erinnerung, Fragmentierung und psychologische Intensität miteinander verschmelzen. Die Edition Lidless Eye zeichnet sich dadurch aus, dass jede Arbeit durch individuelle Collage-Elemente vom Künstler weiterbearbeitet wurde und so den Charakter eines Unikats annimmt – ein Ansatz, der Ghenies malerische Praxis zwischen Reproduktion und singularer Bildfindung aufgreift.

Matthias Bitzer entwickelt in seinen Arbeiten komplexe Bild- und Referenzsysteme, in denen sich Zeichnung, Malerei und philosophische, literarische oder wissenschaftliche Bezüge zu vielschichtigen visuellen Räumen verdichten. L’esprit de séance greift diese charakteristische Praxis auf und verweist mit seinem Titel zugleich auf Wahrnehmung, Imagination und das Spannungsfeld zwischen Sichtbarkeit und dem Unsichtbaren – zentrale Themen innerhalb von Bitzers konzeptuell geprägtem Werk.